we live future now

Screen Dance Academy #3

SDA#3 Filmprogramm / Film program

mit MASTERCLASS und OPEN PROGRAM vom 09. bis 13. August 2023
im CoWerk18 · Alte Knopffabrik · Alarichstraße 18 · 42281 Wuppertal

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Giardino ZED - La Danza in Minuto on Tour

Eine Auswahl der besten Filme der letzten Ausgabe des internationalen Tanzfilmwettbewerbes ZED FESTIVAL (Bologna) und La Danza in 1 Minuto - Beyond One Minute (Turin). Produziert von COORPI (Turin) und ZED-Festival (Bologna), bietet dieses nomadische Format ein Repertoire der neuesten Screendance-Produktionen, mit besonderem Akzent auf verschiedene narrative Ansätze und originelles transmediales Storytelling. Das Format wird im Rahmen des Projekts "PRO|D|ES - Digital Promotion for Extended Dance" dank der Unterstützung des italienischen Kulturministeriums realisiert. // A selection of the best films from the last edition of ZED FESTIVAL (Bologna) and La Danza in 1 Minuto - Beyond One Minute (Torino), international dance film competitions. Produced by COORPI (Turin) and Zed Festival (Bologna), this nomadic format offers a repertoire of the latest screendance productions, with a particular accent on diverse narrative approaches and original transmedia storytelling. The format is realized in the frame of the project " PRO|D|ES - Digital Promotion for Extended Dance", thanks to the support of the Italian Ministry of Culture.


ZED Festival

La danza in 1 minuto

COORPI


Future Futures

Von / By Brian J Johnson
(2022, Kanada, 30'00'')

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Wie nehmen wir unsere physischen Körper mit in unsere unweigerlich digital geprägte Zukunft? Future Futures ist eine von Regisseur Brian J. Johnson und der renommierten Company 605 aus Vancouver gemeinsam konzipierte Sammlung von fünf kurzen Tanzfilmen, die das digitale Schicksal der Menschheit durch eine einzigartige Verschmelzung von Kamera und visuellen Effekten mit einer sehr spezifischen choreografischen Vision erkunden. Die experimentelle Serie macht sich die Absurdität zunutze, den Tanz in den Mittelpunkt einer Science-Fiction-Erzählung zu stellen, und lässt die Zeit kollabieren, um die menschliche Kultur in einem noch nie dagewesenen Moment zu porträtieren: dem Aufkommen eines neuen, autonomen und intelligenten Wesens - der digitalen Reflexion und Kulmination unserer selbst. In einem Zustand des massenhaften Übergangs und gezwungen zu einer bizarren Koexistenz mit dieser wachsenden Präsenz, konfrontiert sich die verbleibende Bevölkerung verkörperter „echter" Menschen mit ihren eigenen Ängsten und ihrer Neugier. // How do we bring our physical bodies with us into our inevitably digitally-bound futures? Collaboratively conceived by Director Brian J. Johnson and Vancouver's acclaimed Company 605, Future Futures is a collection of 5 short dance films that explore the digital destiny of humankind through a unique merging of camera and visual effects with an intensely specific choreographic vision. Embracing the absurdity of centering dance inside a sci-fi narrative, the experimental series collapses time to portray human culture at an unprecedented moment: an emergence of a new, autonomous and intelligent being - the digital reflection and culmination of ourselves. In a state of mass transition, and forced into a bizarre coexistence alongside this growing presence, the remaining population of embodied "real" humans confront their own fears and curiosity of this new dawn while grieving what might be left behind in their looming obsolescence.


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Biografie des Regisseurs – Brian J Johnson // Director Biography – Brian J Johnson

Brian J Johnson (Kanada)
Brian J Johnson

Brian Johnson ist ein Kameramann, Filmemacher und interdisziplinärer Künstler, dessen Arbeit vom traditionellen Filmschaffen für das Fernsehen bis hin zu bildender Kunst, Theater und Performance reicht. Er ist ein eifriger und enthusiastischer Kollaborateur sowie ein unabhängiger Künstler, der Werke schafft, die sich in der Regel im Kontext des Kinos bewegen. Brian gewinnt seit über 15 Jahren Preise für seine Kameraarbeit, unter anderem für Sweet Magnolias und The Killing für Netflix/AMC und You Me Her für Direct TV und E-one. Seine eigenen Filme und seine Arbeiten für den Rundfunk wurden ebenfalls mit Preisen ausgezeichnet und in Festivals wie dem Toronto International Film Festival, dem ISFF in Clermont-Ferrand und kürzlich dem San Francisco Dance Film Festival aufgenommen, wo Inheritor Recordings als bester Film und als zweitbester Kurzfilm ausgezeichnet wurde. Diese Filme wurden in Zusammenarbeit mit Screen Siren Pictures und Company 605 - einer der führenden Tanzkompanien Kanadas - produziert. // Brian Johnson is a cinematographer, filmmaker and interdisciplinary artist whose work ranges from traditional filmmaking for broadcast, to visual art, theatre and performance. He is an avid and enthusiastic collaborator as well as an independent artist creating works that tend to operate within the continuum of cinema. Brian has been winning awards for his cinematography for over 15 years with credits including Sweet Magnolias and The Killing for Netflix/AMC and You Me Her for Direct TV and E-one. His own films and broadcast-based work have been equally fêted with awards and inclusion in festivals such as the Toronto International Film Festival, Clermont-Ferrand's ISFF and more recently the San Francisco Dance Film Festival where Inheritor Recordings was awarded best cinematography and runner-up for best short. These films were produced in collaboration with Screen Siren Pictures and Company 605 - one of Canada's leading dance companies.

Kill the Minotaur // Töte den Minotaurus

Von / By Naya Kuu
(2023, Belgien, 6'32'')

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Töte den Minotaurus, um dem Gefängnis des Geistes zu entkommen. // Kill the Minotaur to escape the prison of the mind.

Biografie der Regisseurin Naza Kuu // Director's Biography Naza Kuu

Naza Kuu
Naza Kuu

Naza Kuu ist seit 2004 eine unabhängige spanische Regisseurin, die bis heute alle ihre Filme selbst produziert hat. Nach einem Master-Abschluss in Musikpädagogik an der Universidad Autónoma de Madrid und einem Schauspielstudium bei dem Schauspieler J. Carlos Corazza kaufte sie 2004 ihre erste Kamera und drehte ihre ersten Dokumentarfilme. Im Jahr 2006 zog sie nach Argentinien, wo sie sich als Autorin und Regisseurin von kurzen Spielfilmen und Musikvideos sowie einigen experimentellen Dokumentarfilmen entwickelte. Im Jahr 2010 drehte sie in Ecuador den Dokumentarfilm „Cometa en órbita", mit dem sie ihren Stil durchsetzt: das intime Porträt. Seit diesem Film werden Nayas Dokumentarfilme nie im Voraus geschrieben, sondern beginnen immer mit einer Begegnung mit einer interessanten Person und ihrer fesselnden Geschichte. Dann wird eine aufrichtige und objektive Beziehung zwischen der Regisseurin und ihrer Person hergestellt. Letzterer öffnet sich und erzählt seine Geschichte natürlich und spontan, Naya versucht, die Kamera zu vergessen und nur die wahre Geschichte zu erzählen. Im Jahr 2015 kehrte sie nach Europa zurück und ließ sich in Brüssel nieder. Mit demselben Ansatz erzählt sie die Geschichte von Ramòn Rodrìguez, dem Protagonisten ihres Dokumentarfilms „Eine Reise". // Naza Kuu is an independent Spanish director since 2004, and all her films until today have been self-produced. After a master's degree in music education at the Universidad Autónoma de Madrid and acting studies with the actor J. Carlos Corazza, she bought her first camera in 2004 and made her first documentaries. In 2006 she moved to Argentina where she developed as a writer and director of short fiction films and music videos, and some experimental documentaries. In 2010, this time in Ecuador, she directed "Cometa en órbita", a documentary with which she asserts her style: the intimate portrait. Since this film, Naya's documentary work is never written in advance, it always begins with an encounter with an engaging person and their captivating story. A sincere and objective relationship is then established between the director and her subject. The latter opens up and tells his story naturally and spontaneously, Naya tries to forget the camera and only tries to tell the real story. In 2015, returned to Europe and settled in Brussels. Still, with the same approach, she tells the story of Ramòn Rodrìguez, the protagonist of her documentary "A journey".

Let's call it a tie

Von / By Vasily Zhitlov
Choreografie / Choreography von / by Maya Selezneva
(2022, Russland, 8'53'')

Let's call it a tie Play trailer
Let's call it a tie // Vasily Zhitlov & Maya Selezneva / Play trailer

Elf Mitglieder einer Familie versammeln sich am späten Abend unter dem Dach des elterlichen Hauses zu einem fröhlichen Beisammensein an einem Tisch. Während das Abendessen serviert wird, gehen sie durch die Abfolge von Erinnerungen, die die Zerrissenheit, die gläserne Zerbrechlichkeit der Bande und die wachsende Kluft zwischen ihnen unter der Dominanz der Eltern und insbesondere der Mutter offenbaren. // Eleven members of a family gather around a table in the late evening under the roof of their parents' house for a happy get-together. As dinner is served, they go through the sequence of memories that reveal the rift, the glassy fragility of the gang and the growing gap between them under the dominance of the parents and especially the mother.

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Ausgangspunkt der Filmrecherche war die persönliche Erfahrung einiger Projektteilnehmer*innen, die auf dem Bruch basiert, der in vielen Familien in Russland nach dem Beginn des Krieges in der Ukraine entstanden ist. // The starting point for the film research was the personal experience of some of the project participants, based on the rupture that occurred in many families in Russia after the start of the war in Ukraine.

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Vasily Zhitlov – Regisseur und Kameramann, spezialisiert auf Kurzfilme, Musikvideos und Werbespots. // Vasily Zhitlov – director and cinematographer, specialising in short films, music videos and commercials.


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Maya Selezneva – freischaffende Performerin, Choreografin und Bewegungsregisseurin im Bereich des zeitgenössischen Tanzes, der Bewegung und der darstellenden Künste, ansässig in Italien. // Maya Selezneva – freelance performer, choreographer and movement director in the field of contemporary dance, movement and performing arts, based in Italy.


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Das Thema der Missverständnisse innerhalb der Familie ist für mich und die Menschen in meinem Umfeld sehr relevant, besonders im letzten Jahr. Die Hauptidee dieses Films ist: direktive Form, Manipulation und ständiger Druck können nicht zu gesunden Beziehungen führen. Je stärker der Druck ist, desto höher ist die Wahrscheinlichkeit der Zerstörung. // The topic of misunderstanding within the family is very relevant for me and the people around me, especially last year. The main idea of this film is: directive form, manipulation and constant pressure cannot lead to healthy relations. The stronger the pressure is, the higher the chance of destruction.

Ich entschied mich, bei diesem Film Regie zu führen, weil ich daran interessiert war, die von unserer Choreografin Maya kreierte Tanzperformance von der Bühnensprache in die Filmsprache zu übersetzen. Ich wollte, dass der Zuschauer, egal wo er herkommt, beim Betrachten des Films das gleiche Problem erkennt, das wir mit unseren liebsten Menschen haben können. Dieser Film ist für mich etwas Besonderes, weil ich in den Monaten vor der Produktion an der Tanzkreation beteiligt war. Wir waren auf der Suche nach der Übersetzung von Tanzsätzen in kleine Details oder weniger Bewegungsanalogien, die funktionieren und mehr Bedeutung im Bild erzeugen würden. // I decided to direct this film because I was interested to translate dance perfomance, created by our choreographer Maya, from stage language to cinema language. While watching this film, I wanted the viewer, no matter from location, to recognize same problem we can face with our dearest people. This film is special to me because I was part of dance creation during month before production. We were searching for translating dance frases into some small details or less movement analogs, that would work and create more meaning in frame.

Die Erfahrung bei der Arbeit an diesem Film wird mir bei künftigen Projekten helfen, denn sie hat mich dazu gebracht, sorgfältiger nach Wegen zu suchen, die Geschichte zu erzählen. Ohne auf Dialoge zurückzugreifen, nur mit Komposition, Details, Bewegung und Emotionen. // The experience working on this film will help me with future projects because it pushed for a more careful search for ways to tell the story. Without resorting to dialogue, only with composition, details, movement and emotions.

Navigation

Von / By Marlene Millar
Choreographie von / Choreography by Sandy Silva
(2020, Kanada, 13'30'')

NAVIGATION Play trailer
NAVIGATION // Marlene Millar 2020 / Play trailer

In der spektakulären Burren-Region an der Westküste Irlands angesiedelt, erforscht Navigation die aktuelle humanitäre Krise der Vertreibung und Entwurzelung, die sowohl individuell als auch kollektiv erlebt wird. Indem das Land selbst genutzt wird, um zu erforschen, wie wir durch unbekanntes Terrain navigieren, tauchen Themen wie Überleben und Beharrlichkeit, Aufbruch und Erneuerung in einer nuancierten und vielschichtigen Interpretation der Migrationserfahrung auf. Die Rhythmen, die Bewegung, der Gesang und die Landschaft definieren und verkörpern diese Erkundung mit den Darbietungen von 10 Tänzer*innen, Sänger*innen und einem Chor von 40 Teilnehmer*innen. //  Set in the spectacular Burren region of the west coast of Ireland, Navigation explores the current humanitarian crisis of displacement and dislocation that is experienced both individually and collectively. Using the land itself to explore how we navigate through unknown terrain, themes of survival and perseverance, departure and renewal emerge in a nuanced and layered interpretation of the migration experience. The rhythms, movement, vocals and landscape define and embody this exploration, featuring the performances of 10 dancers, singers and a choir of 40 participants.

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Biografie der Regisseurin Marlene Millar // Director Biography Marlene Millar

Marlene Millar
Marlene Millar

Die Filmemacherin Marlene Millar realisiert seit 1989 Tanz-, Dokumentar- und experimentelle Medienproduktionen. Sie erwarb ihren BFA in Filmproduktion an der Concordia University in Montreal, absolvierte ein Filmstudium an der School of the Art Institute of Chicago und erhielt ein Pew Dance Media Fellowship an der University of California, Los Angeles. Im Jahr 2001 gründete Marlene zusammen mit Philip Szporer die Produktionsfirma Mouvement Perpétuel, die international beachtete Kunstdokumentationen, Tanzfilme und Installationen produziert.
Marlene hat bei sechs Kurzfilmen Regie geführt und diese koproduziert, darunter NAVIGATION in der Reihe Migration Dance Film Project (MDFP), die mit mehr als fünfundzwanzig internationalen Auszeichnungen und Preisen bedacht wurde. MDFP wurde 2014 von der Choreografin, Komponistin und Produzentin Sandy Silva und Millar gegründet.
Marlenes 30-jährige Medienkunstpraxis wurde kürzlich in einer fünfmonatigen Einzelausstellung im Threshold Artspace (Perth, UK) gewürdigt. Marlene engagiert sich für die Förderung der kreativen Praxis des unabhängigen Filmemachens, die Betreuung von Nachwuchskünstlern und die Durchführung von Workshops in ganz Kanada und international. //  Filmmaker Marlene Millar has created dance, documentary and experimental media productions since 1989. She earned her BFA in Film Production at Concordia University in Montreal, pursued graduate filmmaking studies at the School of the Art Institute of Chicago, and received a Pew Dance Media Fellowship at the University of California, Los Angeles. Marlene co-founded the production company Mouvement Perpétuel with Philip Szporer in 2001, co-creating internationally acclaimed arts documentaries, dance films and installations.
Marlene has directed and co-produced 6 short films, including NAVIGATION, in the Migration Dance Film Project (MDFP) series, winner of over twenty-five international awards and prizes. MDFP was established by choreographer, composer and producer Sandy Silva and Millar in 2014.


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PARQUE / Park

Von / By Iván Asnicar & Ailén Cafiso
(2022, Argentinien, 6' 23'')

PARQUE Play trailer
PARQUE / Park Iván Asnicar & Ailén Cafiso / Play trailer

Ein Park. Zwei Körper tanzen und suchen den Ausgang. Während der Tournee finden sie fantastische und reale Situationen. Die Bewegung wird sie in das nächste Zeitalter tragen. Eine labyrinthische Passage aus Tanz im Park. //  A park. Two bodies dance looking for the exit. Through the tour they find fantastic and real situations. The movement will carry them forward into the next age. A labyrinthine passage from Dance in the Park.

PARQUE Poster
Iván Asnicar & Ailén Cafiso
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Return

Von / By Hofesh Shechter
Hofesh Shechter Company, Gauthier Dance, Theaterhaus Stuttgart
(2022, Vereinigtes Königreich, 14'42'')

RETURN Play trailer
Return // Hofesh Shechter / Play trailer

Es gibt keine bessere Art, das Leben zu feiern, als durch die Brille des Todes. Er gibt dem Leben eine echte Perspektive, gibt ihm in gewisser Weise einen Sinn. Mit Return ist nicht unbedingt die Rückkehr von den Toten gemeint, sondern „eine Art und Weise, den Geist einer Person wieder zum Leben zu erwecken“. // There is no better way to celebrate being alive than through the lens of death. It gives real perspective on life, gives it meaning in a way. Return does not necessarily refer to a return from the dead, but "a way of bringing a person's spirit back to life”.
(Hofesh Shechter)

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Biografie des Regisseurs Hofesh Shechter // Director’s Biography Hofesh Shechter

Hofesh Shechter
Hofesh Shechter

Der Choreograf, Filmemacher und Komponist Hofesh Shechter OBE ist künstlerischer Leiter der 2008 gegründeten Hofesh Shechter Company im Vereinigten Königreich. Shechter gilt als einer der aufregendsten Künstler, der sowohl für die Bühne als auch für den Film arbeitet. Seine Fähigkeiten in beiden Disziplinen entziehen sich den traditionellen Erwartungen. Darüber hinaus ist Shechter dafür bekannt, stimmungsvolle Musik zu komponieren, die die einzigartige Körperlichkeit seiner viel gefeierten Arbeiten ergänzt. // Choreographer, filmmaker and composer, Hofesh Shechter OBE is Artistic Director of the UK-based Hofesh Shechter Company, formed in 2008. Shechter is recognised as one of the most exciting artists making work for both stage and film. His ability in both disciplines defy traditional expectations and in addition, Shechter is renowned for composing atmospheric musical scores that complement the unique physicality of his much-celebrated work.

Shechter hat für Theater, Fernsehen und Oper choreografiert, unter anderem an der Metropolitan Opera (New York) für Nico Mulhys Two Boys, am Royal Court für Motortown und The Arsonists, am National Theatre für Saint Joan, am Broadway für die Wiederaufnahme von Fiddler on the Roof und für die Channel-4-Serie Skins. In Zusammenarbeit mit der BBC hat Shechter den ersten Tanzfilm der Kompanie, Clowns, kreiert, der 2018 von der BBC mit großem Erfolg ausgestrahlt wurde.// Having choreographed for theatre, television and opera, notably at the Metropolitan Opera (New York) for Nico Mulhy’s Two Boys, the Royal Court on Motortown and The Arsonists, the National Theatre on Saint Joan, Broadway’s revival of Fiddler on the Roof and for the Channel 4 series Skins, Shechter in partnership with the BBC, created the company's first dance film, Clowns, which was broadcast by the BBC to great acclaim in 2018.

Shechters Bühnenarbeit wird oft als filmisch bezeichnet, und so war es nur eine Frage der Zeit, bis er mit seinem neuen Kurzfilm POLITICAL MOTHER: The Final Cut sein Regiedebüt geben würde, das sich durch Unverfrorenheit und Spannung auszeichnet. Während der Schließung des Battersea Arts Centre gefilmt, bringt Shechter die beeindruckende, ikonische Architektur des Veranstaltungsortes auf die Leinwand - von der Eleganz der Grand Hall über die atmosphärischen, intimen Räume bis hin zu den labyrinthischen, gotischen Korridoren - und schafft so ein außergewöhnliches Film- und Tanzstück, das gleichzeitig emotional komplex, kraftvoll und theatralisch aufregend ist. POLITICAL MOTHER: The Final Cut wurde im Juli 2021 im Vereinigten Königreich uraufgeführt und hat seitdem den Publikumspreis 2022 für die beste Live-Performance-Staffel und Kameranachbearbeitung beim Cinedans Fest 2022 und den besten Tanzfilm beim Festival de Cannes gewonnen. // Shechter’s stage work is often hailed as cinematic and it was only a matter of time before creating his directorial debut with the unapologetic and exhilarating new short film POLITICAL MOTHER: The Final Cut. Filmed during lockdown at Battersea Arts Centre, Shechter brings the striking iconic architecture of the venue to film – from the elegance of the Grand Hall, the atmospheric intimate spaces to the labyrinthine gothic corridors, creating an extraordinary film and dance piece which is at once emotionally complex, powerfully significant and theatrically thrilling. Premiering in the UK in July 2021, POLITICAL MOTHER: The Final Cut has since gone on to win the Audience Award 2022 for Best Live Performance Relay & Camera Rework at Cinedans Fest 2022 and Best Dance Film at Festival de Cannes.

Im Jahr 2021 arbeitete Shechter mit dem französischen Filmemacher Cédric Klapisch an dem mit Spannung erwarteten Spielfilm "En corps" zusammen. Der Film wurde im März 2022 zusammen mit einem von Shechter selbst komponierten Soundtrack veröffentlicht und wird weiterhin weltweit gezeigt. // In 2021, Shechter collaborated with French filmmaker Cédric Klapisch to work on the much-anticipated feature ‘En corps’. Released in March 2022, along with a soundtrack created by Shechter himself, the film continues to be screened globally.

Shechters Produktion Grand Finale wurde für einen Olivier Award für die beste neue Tanzproduktion (2017) nominiert und 2016 erhielt Shechter eine Tony Award Nominierung für seine Choreografie für die Broadway Wiederaufnahme von Fiddler on the Roof. // Shechter’s production Grand Finale was nominated for an Olivier Award for Best New Dance Production (2017) and in 2016 Shechter received a Tony Award nomination for his choreography for the Broadway revival of Fiddler on the Roof.


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TANZRAUSCHEN SCREEN DANCE ACADEMY#3 Transmedia Storytelling in Partnerschaft mit dem CoWerk18 der Tanz Station – Barmer Bahnhof.


Die SCREEN DANCE ACADEMY #3 wird gefördert vom Ministerium für Wirtschaft, Industrie, Klimaschutz und Energie des Landes Nordrhein-Westfalen, der Kunststiftung NRW und unterstützt vom Kulturbüro der Stadt Wuppertal.
Ministerium für Wirtschaft, Industrie, Klimaschutz und Energie des Landes Nordrhein-Westfalen
Kunststiftung NRW
Kulturbüro der Stadt Wuppertal

Unterstützt von

Logos Unterstützer

Kontakt

Tanzrauschen e.V.
Sophienstraße 12 · 42103 Wuppertal
Inhaltliche Leitung SDA#3 - Transmedia Storytelling

marc.wagenbach@tanzrauschen.de

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