Ausstellungsprogramm / Galerie n46

Discussing Bhairava

[DE] Ein kurzer Dokumentarfilm als Begleitmaterial zum Tanzfilm „Bhairava“ mit der Tänzerin und Choreografin Shantala Shivalingappa.

[EN] A short documentary to accompany the dance film Bhairava, featuring dancer-choreographer Shantala Shivalingappa.

Bhairava

[DE] Bhairava verkörpert die doppelte Natur Shivas als Herr des Tanzes und Hüter der Zeit – zugleich furchtbarer Zerstörer und mitfühlender Beschützer. Vor der eindrucksvollen Kulisse der antiken Stätte Hampi und untermalt von einer kraftvollen Musikkomposition verkörpert die Tänzerin und Choreografin Shantala Shivalingappa in diesem Werk die beeindruckende Präsenz der Gottheit.

Mit technischer Präzision und raffinierter Ausdruckskraft bewegt sich Shivalingappa zwischen festgelegten symbolischen Gesten und abstrakter, wogender Körperlichkeit. Die Darbietung bietet eine lebendige Verkörperung von Bhairava und offenbart ein Wesen, das gleichermaßen von Zorn, Wachsamkeit und tiefem Mitgefühl geprägt ist.

[EN] Bhairava evokes the dual nature of Shiva as Lord of Dance and Guardian of Time—both fierce destroyer and compassionate protector. Set against the evocative landscape of the ancient site of Hampi and driven by a powerful musical score, the work features dancer and choreographer Shantala Shivalingappa embodying the deity’s formidable presence.

Through technical precision and refined expressivity, Shivalingappa moves between codified symbolic gestures and abstract, surging physicality. The performance offers a vivid incarnation of Bhairava, revealing a being shaped equally by wrath, vigilance, and profound compassion.

Eko & Sen Hea – a journey beyond // 1999

Ein kurzer Dokumentarfilm als Begleitmaterial zum Tanzfilm „Bhairava“ mit der Tänzerin und Choreografin Shantala Shivalingappa.

Durch Bewegung und Dialog zeigt das Werk, wie Traditionen hinterfragt, neu gestaltet und über Grenzen und Kontexte hinweg weitergetragen werden.

This intimate documentary follows cross-cultural dance artists Eko Supriyanto (Indonesia) and Sen Hea Ha (Korea) as they navigate the tension between inherited tradition and contemporary urban life. Created through the UCLA Dance Media Project with support from the Pew Fellowship, the film traces their artistic exchanges in Los Angeles, where cultural memory, identity, and adaptation intersect.

Through movement and dialogue, the work reveals how tradition is challenged, reshaped, and carried forward across borders and contexts.

Eko & Sen Hea – a journey beyond // 2004

[DE] Dieser Film präsentiert sieben kurze Porträts aufstrebender kanadischer Choreografen – Natasha Bakht (Ottawa), Byron Chief-Moon (Lethbridge), Day Helesic (Vancouver), Hinda Essadiqi und Audrey Lehouillier (Montréal), Małgorzata Nowacka (Toronto) sowie Sarah Stoker (St. John’s).

Diese Künstler, die aus unterschiedlichen kulturellen und künstlerischen Hintergründen stammen, hinterfragen etablierte choreografische Konventionen und gehen mutige kreative Risiken ein. Der Film verbindet die Beobachtungsweise des Cinéma vérité mit Tanzsequenzen vor der Kamera und gewährt Einblicke in Ateliers, Privathäuser und Gemeinschaften, um deren kreative Prozesse, Motivationen und sich weiterentwickelnde choreografische Sprachen zu beleuchten.

[EN] This film presents seven short portraits of emerging Canadian choreographers –– Natasha Bakht (Ottawa), Byron Chief-Moon (Lethbridge), Day Helesic (Vancouver), Hinda Essadiqi and Audrey Lehouillier (Montréal), Małgorzata Nowacka (Toronto), and Sarah Stoker (St. John’s).

From diverse cultural and artistic backgrounds, these artists challenge established choreographic codes and take bold creative risks. Combining cinéma-vérité observation with dance-for-camera sequences, the film enters studios, homes, and communities to illuminate their creative processes, motivations, and evolving choreographic languages.

Mercy // 2025

[DE] „Die Hände der Tänzerinnen sind die Hände meiner Mutter und meiner Schwester, die Hände unserer Großmutter, die Hände ihrer Mütter.“

Diese Worte des berühmten amerikanischen Dichters Cornelius Eady dienen als Anker für den Kurzfilm „Mercy“, der Poesie und Bildsprache mit Gestik, Bewegung und Stimme zu einer vielschichtigen Meditation über das Schwarzsein von Frauen verwebt. Eadys gleichnamiger Gedichtzyklus ist geprägt von den Werken von Phillis Wheatley, der ersten versklavten Person in den amerikanischen Kolonien, die einen vollständigen Gedichtband veröffentlichte.

Der poetische Kurztext thematisiert Fragen der ethnischen Zugehörigkeit, des Ortes und der Identität und befasst sich eingehend mit den vielschichtigen Diskursen einer bestimmten schwarzen literarischen Tradition, die sich mit der Komplexität des Prozesses befassen, in dem Sklaven die Sprache ihrer Unterdrücker erlernen.

[EN] “The hands of the dancers are the hands of my mother and sister, the hands of our grandmother, the hands of their mothers.”

These words of celebrated American poet Cornelius Eady serve as an anchor for the short film Mercy that weaves poetry and imagery, with gesture, movement and voice into an intricate meditation on black womanhood. Eady’s eponymous cycle of poems is informed by the writing of Phillis Wheatley, the first enslaved person in the American Colonies to publish a full-length volume of poems.

The poetic short voices issues of race, place, and identity, and dives into the double-voiced discourses of a particular Black literary tradition concerning the complication of the slave learning their captor’s language.

Dafeena // 2012

[DE] Dieser ortsspezifische Tanzfilm, der vor Ort in einem Kristallbergwerk und einem verlassenen Kupferstoll gedreht wurde, zeigt zwei Tänzerinnen in edelsteinfarbener Seide, eingefangen durch Lichtprismen und Schichten aus gesponnenem Glas.

Das Duett greift die charakteristischen Gesten und Körperhaltungen des Bharatanatyam auf und lässt die Bewegung mal sichtbar werden, mal verschwinden, während Spiegelungen und Lichtbrechungen den Rahmen zerlegen.

Der Film, der auf einem Originalwerk von Natasha Bakht basiert, beschäftigt sich mit Linien, Farben und Geometrie und entfaltet sich im wechselnden Licht eines einzigen Tages, wobei die Tänzerinnen stets „dafena“ bewachen – das Urdu-Wort für „vergrabener Schatz“.

[EN] Filmed on location in a crystal mine and an abandoned copper quarry, this site-specific dance film features two dancers clad in gem-coloured silk, captured through prisms of light and layers of spun glass.

Drawing on the recognizable gestures and postures of bharatanatyam, the duet reveals and obscures movement as reflections and refractions fracture the frame.

Adapted from an original work by Natasha Bakht, the film explores line, colour, and geometry, unfolding across the shifting light of a single day, its dancers perpetually guarding dafeena, the Urdu word for “buried treasure.”

The Hunt // 2005

[DE] Die Intensität eines inneren Konflikts zeigt sich nach außen hin, wie sich aus einer intimen, fragmentarischen Perspektive erkennen lässt.

[EN] The intensity of an internal struggle manifests itself externally, as revealed through an intimate, fragmented view.

Falling // 2009

[DE] „Falling“ ist ein kurzer Tanzfilm, der von containR in Auftrag gegeben und in Zusammenarbeit mit dem Choreografen und Tänzer Jeff Hall entstanden ist. Inspiriert von Halls persönlichen Erfahrungen nach einem lebensverändernden Sturz, der ihn bewegungsunfähig machte, zeichnet der Film das emotionale Spektrum aus Verlust, Konzentration und Widerstandskraft nach, das mit der Wiedererlangung der Bewegungsfähigkeit einhergeht.

Das Werk reflektiert darüber, wie sich Traumata im Körper einprägen, und zeigt dabei, dass der Körper zugleich zerbrechlich und widerstandsfähig ist. „Falling“ erkundet die im Körper gespeicherte Geschichte und würdigt den mühsamen, manchmal absurden und zutiefst menschlichen Prozess der Verwandlung und Genesung.

[EN] Falling is a short dance film commissioned by containR and created in collaboration with choreographer and dancer Jeff Hall. Inspired by Hall’s lived experience following a life-altering fall that left him unable to walk, the film traces the emotional terrain of loss, focus, and resilience involved in reclaiming movement.

The work reflects on how trauma inscribes itself on the body, revealing physicality as both fragile and defiant. Falling explores the body’s remembered history, celebrating the arduous, sometimes absurd, and deeply human process of transformation and recovery.

40 // 2009

[DE] „40“ ist ein intimes Porträt des Choreografen und Tänzers Ken Roy in einem Moment tiefer Selbstreflexion. Durch Abstraktion und extreme Nahaufnahmen dargestellt, zeigt der Film den Körper zugleich als Landschaft und als Archiv – Muskeln, Haut und Gesten offenbaren Vitalität und Verletzlichkeit zugleich.

Im Wechsel zwischen schattigen Atelierräumen und satten blauen Flächen treten Roys verspielte Sinnlichkeit und seine nachdenkliche Ausstrahlung in den Vordergrund. Die illustrierten Porträts von Pol Turgeon lassen die Grenzen zwischen öffentlichem und privatem Selbst weiter verschwimmen.

Inspiriert von Charmaine Leblancs Tanztheaterstück „Quarantaine 4×4“ fängt „40“ die poetische Entfaltung der Identität während der Umbrüche in der Lebensmitte ein.

[EN] 40 is an intimate portrait of choreographer and dancer Ken Roy at a moment of profound self-reflection. Framed through abstraction and extreme close-ups, the film renders the body as both landscape and archive—muscle, skin, and gesture revealing vitality alongside vulnerability.

Shifting between shadowed studio spaces and saturated fields of blue, Roy’s playful sensuality and introspective presence come to the fore. Illustrated portraits by Pol Turgeon further blur distinctions between public and private self.

Inspired by the dance-theatre work Quarantaine 4×4, by Charmaine Leblanc, 40 captures a poetic unfolding of identity during midlife transformation.

A soft place to fall // 2006

[DE] „A soft place to fall“ (2006) beleuchtet die sich wandelnde Dynamik einer Paarbeziehung anhand eines Duetts, das von Leidenschaft, Humor und Risikobereitschaft geprägt ist. Während sich die Tänzer zwischen Besessenheit und Entschlossenheit bewegen, thematisiert das Stück die Verletzlichkeit, die der Intimität innewohnt.

Satte Farben und eine verspielte Bildsprache unterstreichen die emotionale Bandbreite des Tanzes und verstärken seine bissigen, zärtlichen und ergreifenden Momente.

Das Stück beschäftigt sich damit, wie Verbundenheit durch körperliche Nähe entsteht, und beleuchtet dabei sowohl die Gefahren als auch die Freuden emotionaler Hingabe.

[EN] A soft place to fall (2006) explores the shifting dynamics of a couple’s relationship through a duet marked by passion, humour, and risk. As the dancers move between obsessiveness and resolve, the work traces the vulnerability inherent in intimacy.

Saturated colour and a playful visual aesthetic underscore the dance’s emotional range, amplifying its caustic, tender, and poignant moments.

The piece reflects on how connection is negotiated through physical closeness, exposing both the perils and pleasures of emotional surrender.

Quarantaine // 2009

[DE] „Quarantaine“, unter der Regie und Produktion von Marlene Millar und Philip Szporer, ist eine Adaption von Charmaine LeBlancs äußerst erfolgreicher Bühnenproduktion „Quarantaine 4X4“ aus dem Jahr 2008.

Mit der versierten Besetzung aus Marc Béland, Marc Daigle, Benoît Lachambre und Ken Roy verbindet der Film Tanz, Gesang, Animation und dokumentarische Elemente miteinander.77

[EN] Quarantaine, directed and produced by Marlene Millar and Philip Szporer, an adaptation of Charmaine LeBlanc’s hugely successful 2008 stage production, “Quarantaine 4X4”.

Featuring the accomplished cast of Marc Béland, Marc Daigle, Benoît Lachambre and Ken Roy the film weaves together dance, song, animation and documentary elements.